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Wie man sich bei einer Modenschau ankündigt. Wie organisiert man eine Modenschau? Kosten für die Organisation einer Modenschau

Brennende Autos, auf die Zuschauer zueilende Züge, Tänze, Eisberge, Hologramme, Performances – seit zwanzig Jahren werden auf den Laufstegen Szenen abgespielt, die einem High-Budget-Actionfilm würdig sind. Aber wenn man alle glanzvollen Shows der letzten zwei Jahrzehnte in eine Reihe stellt, kann man sich ein klares Bild davon machen, wie sich die Mode von den 1990er Jahren bis heute entwickelt hat – was am Anfang war und was uns in Zukunft erwartet. Die Theatralik der Galliano-Show für Dior oder Louis Vuitton seit Marc Jacobs wich der digitalen Technologie. Einer der ersten, der sie benutzte, war natürlich Alexander McQueen, der ein Hologramm von Kate Moss auf den Laufsteg brachte, und einige Jahre später spielten Umberto Leon und Carol Lim von Kenzo - ein sprechender Avatar namens Knola die Hauptrolle auf ihrem zeigen. Die traditionellen Schauplätze der Fashion Weeks – Paris, Mailand, New York und London – wichen wichtigen neuen Modemärkten: 2007 inszenierte Fendi eine Show auf der Chinesischen Mauer, Pierre Cardin in der chinesischen Wüste von Dunhuang. Die Kollektionen von Métiers d'Art Chanel reisen um die ganze Welt – von Salzburg bis Shanghai, von Rom bis Seoul. Heute haben sich weitere Akteure dieser "internationalen Kampagne" angeschlossen - Givenchy eröffnete letzte Saison die New York Fashion Week, Saint Laurent zeigte ihre erste Show in Los Angeles und Louis Vuitton plant eine Reise nach Rio de Janeiro. Doch egal, was auf den Laufstegen passiert, Mode wird immer eine soziale Kunstform bleiben – jegliche Veränderungen der Gesellschaft spiegeln sich darin wie in einem Spiegel wider, wenn auch leicht geschwungen. Die neuesten Chanel-Shows mit dem idyllischen Paris in einem Filmstudio oder Prada-Shows mit riesigen feministischen Wandmalereien handeln davon. Aber die wichtigsten Änderungen liegen nicht im Dekor, sondern im Format der Shows der Zukunft. Burberry, Vetements, Tom Ford – diese Marken haben erst kürzlich angekündigt, dass sie nur zwei Shows pro Jahr machen und Artikel der Show sofort in den Verkauf gehen. Die Ära von Snapchat und Instagram hat ihre eigenen Anpassungen in der Mode eingeführt - jetzt, da Fotos von Shows für jeden überall auf der Welt buchstäblich im selben Moment verfügbar sind, in dem ein Model den Laufsteg betritt, macht es wirklich keinen Sinn, sechs Monate auf den Laufsteg zu warten zeigen, bevor die Kollektion in den Läden erscheint. Der neue Showkalender wird die Modewelt möglicherweise für immer und in kürzester Zeit verändern. Bis dahin bleibt Zeit, zurückzublicken und sich daran zu erinnern, wie Mode in den 1990er und 2000er Jahren aussah – als jede Show eine Theateraufführung war und jede Kollektion ein Rätsel blieb, bis der Artikel im Magazin veröffentlicht wurde.

Dolce & Gabbana-Shows finden normalerweise auf traditionelle Weise statt, ohne die Auftritte aktueller Künstler und ohne verrückte Dekoration. Doch das Heer der Models am Ende der Show ist bereits zum Markenzeichen des italienischen Duos geworden: Ausnahmslos alle im gleichen Stil oder Farbe gekleideten Models passieren eine schlanke Menschenmenge auf dem Laufsteg, was nur Bewunderung hervorruft – und keine Spezialeffekte sind erforderlich.

Fernweh

Die Ära von Marc Jacobs bei Louis Vuitton wurde für kraftvolle Theateraufführungen erinnert, die auf die eine oder andere Weise mit dem Thema Reisen zu tun hatten.

Die Shows, die, wie auf der Einladung angegeben, immer Minute für Minute begannen, fanden in der Umgebung eines Pariser Hotels oder eines echten Bahnhofs statt, an dem der Steampunk-Zug ankam - die Wirkung dieser Aktion war nicht geringer als die des ersten Films von den Lumière-Brüdern.

Ein Schauspieler Theater

Als John Galliano 1996 zu Dior kam, schien er dieses französische Haus neu erfunden zu haben: Er fügte seinen Kollektionen Kitsch hinzu und brach alle möglichen Regeln im britischen Stil und war einer der ersten, der Couture-Shows in spektakuläre Performances verwandelte.

Das Podium verwandelte sich in einen edwardianischen Garten mit Kutschen, dann in eine Inszenierung der Geschichte von Cio-Cio-san. Der Designer selbst stand nie abseits des Geschehens und verbeugte sich in fantastischen Kostümen – von Napoleon bis zum Piraten.

Blütezeit

Raf Simons' beeindruckendste Modenschau für Dior war die allererste Couture-Show im Herbst/Winter 2012. Fünf Hotelzimmer in der Pariser Avenue d'Yen waren voller Blumen – blaue Rittersporn im ersten, gelbe Goldregen im zweiten, weiße Orchideen im dritten, Pfingstrosen, Rosen und Dahlien im vierten und fünften.

Raf Simons widmete die Kollektion den Kernerfindungen von Dior, von der Bar-Jacke bis zur New-Look-Silhouette, und die Szenerie der Show seiner Hauptleidenschaft: Blumen und Gartenarbeit.

Kunsthaus

Dass Mode auch Kunst sein kann, bewies Alexander McQueen mit seiner Frühjahr-Sommer-Show 1999: Auf dem runden Laufsteg tauchten neben Models zwei Robotermaschinen auf, und von Anfang an war klar, dass sie wie Tschechows Waffe sind, die es schaffen würde definitiv feuern. Und so geschah es: Am Ende der Show sprühten Maschinen Farbe auf Shalom Harlows steriles weißes Kleid. Aber die stärksten Gefühle in der Öffentlichkeit wurden durch die Show im Herbst 2006 ausgelöst, als der holografische Geist von Kate Moss auf dem Podium erschien - in diesem Jahr weigerten sich aufgrund des Kokain-Skandals fast alle Designer, mit ihr zu arbeiten, aber Alexander McQueen erinnerte die Öffentlichkeit, dass Kate immer in unseren Herzen ist ...

Ein Platz unter der Sonne

Tommy Hilfiger baute für seine Frühjahr/Sommer-Show 2016 ein echtes Resort auf dem Laufsteg - einen kleinen Teich mit Holzstegen in der Mitte des Raums, durch den die Models laufen konnten, und im Hintergrund der digitale Ozean, der Sonnenuntergang und das natürlichste Reetdach Strandbar.

Im Finale der Show, unter karibischen Rhythmen, liefen die Models in Badeanzügen nicht auf dem Laufsteg, sondern direkt auf dem Wasser!

Große Aufregung

Der Miss Jean Paul Gaultier Wettbewerb 2015 war der Name der letzten Prêt-à-Porter-Show der Designerin. Auf dem Laufsteg erschienen nicht nur die kultigsten Dinge von Gaultier in seiner gesamten Karriere, sondern auch Modelle in den Bildern berühmter Persönlichkeiten – von Madonna bis Dita von Teese. Am Ende der Show brach ein Drama aus – Anna Cleveland stahl Coco Roche die Krone, und nur die Musik und das Gelächter der Models erinnerten das Publikum daran, dass dies alles eine Farce war.

In China hergestellt

"Der längste Laufsteg der Welt" war 2007 der Witz über die von Lagerfeld moderierte Fendi-Show auf der Chinesischen Mauer. Das italienische Maison hat genau 12 Monate und 10 Millionen Dollar benötigt, um diese Show vorzubereiten, aber es hat sich gelohnt - das beleuchtete Weltwunder entpuppte sich als perfekter Rahmen für die Fendi Capsule Collection, die speziell für den neuen östlichen Markt kreiert wurde. Die Show wurde von fünfhundert Gästen verfolgt, und da die Show im Freien stattfand, erhielt jeder der Zuschauer, darunter Kate Bosworth, Thandie Newton und andere Schauspielerinnen, Fendi-Pelzhandschuhe und -decken.

Schönheit im Exil

Eine der ersten Shows, die wichtige gesellschaftliche Themen aufwarf, war Hussein Chalayans Frühjahr-Sommer-Show 1998 - die Between-Kollektion bestand aus minimalistischen Kleidern, die auf muslimischen Schleiern basieren. Und am Ende der Show reihen sich Models in unterschiedlich langen Schleiern auf dem Laufsteg an – beim allerersten bis zum Boden und beim letzteren nur in Form eines kleinen Schleiers. So versuchte die Designerin, auf die Probleme der Frauen in der muslimischen Welt aufmerksam zu machen.

Ein solcher

„Kenzo erinnert dich daran, dass es keinen Ersatzplaneten gibt. Bitte kümmere dich um das, was wirklich wertvoll ist!" - wiederholte der Avatar bei der Show der Marke. Knolas Kopf schwebte über dem Laufsteg und rezitierte dieses digitale Gedicht in mehreren Sprachen, als Models die Frühjahrs-/Sommerkollektion 2015 enthüllten. Die Show wird als spektakuläre Show und wichtiges gesellschaftliches Statement für die Umwelt in die Modegeschichte eingehen.

Anständiger Inhalt

„Mode braucht die Raserei der Performance“, wiederholen die Designer Viktor Horsting und Rolf Snoren gerne und ihre Shows bestätigen diese Theorie nur. Für die Herbst/Winter-Show 2005 liefen die Models in Deckenkleidern und über Kissen zerzausten Haaren über den Laufsteg, während Tori Amos hinter ihnen Klavier spielte.

Eine weitere Sängerin, Royishn Murphy, trat fünf Jahre später bei der Viktor & Rolf-Show auf – sie sang das Lied Demon Lover auf einer sich drehenden Plattform, während Models an einer riesigen Kugel vorbeizogen. Und bei der Herbst-Winter-Show 2010/11 demonstrierten belgische Designer live die angewandte Natur der Mode, indem sie mit Kristen McMen Kleider auszogen und anderen Models anzogen.

Pionier Prada

Um Pradas Ästhetik zu verstehen, muss man immer daran denken, dass Miuccia selbst eine leidenschaftliche Aktivistin und Mitglied der italienischen Kommunistischen Partei ist. Doch heute enthält ihr politisches Programm immer mehr Bestimmungen zum Feminismus. So waren die Wände der Frühjahr-Sommer-Show 2014 mit Frauenporträts geschmückt - nicht berühmt, aber einfach, gewöhnlich, wie Sie und ich. Die gleichen Porträts wurden auf den Kleidern der Kollektion ausgestrahlt. Die Idee von Wandmalereien mit revolutionären Untertönen ist nicht neu – das gleiche wurde Anfang des letzten Jahrhunderts von Diego Rivera in Mexiko gemacht. Aber bei der Prada-Show haben sie leblose Kleidung mit Energie und neuer Bedeutung versehen.

Hochflug

In den 1990er Jahren war der Pariser Designer Thierry Mugler einer der Menschen, auf die man sich in Sachen Show verlassen konnte. Seine Haute-Couture-Show Frühjahr-Sommer 1997 war den Insekten gewidmet: Statt Musik begann die Show mit nervigem Summen, das Make-up der Models und einige Details der Kleider erinnerten an die Färbung von Schmetterlingen. Aber seine mysteriöseste Show ist Herbst-Winter 1997/98 mit Nadia Auermann als mystische Gottheit in Federn.

Grunge eingegeben

Marc Jacobs zeigte nicht nur die Grunge-Kollektion der konservativen Marke Perry Ellis, sondern brachte auch das University of Pennsylvania Orchestra dazu, die Hymne aller 1990er-Jahre-Teenager, Smells Like Teen Spirit, zu spielen. Es geschah 2006 bei der Show seiner charakteristischen Frühjahr-Sommer-Kollektion. Doch trotz aggressivem Grunge strahlte diese Show ausschließlich Optimismus und Spaß aus – von allen Seiten wurde Konfetti geschüttet und die Gäste fühlten sich wie Königinnen und Könige des Abschlussballs.

Wüstenoase

Chinas Dunhuang-Wüste scheint der letzte Ort zu sein, an dem eine Modenschau veranstaltet wird. Aber nicht für Pierre Cardin - er inszenierte seine Show im Frühjahr - Sommer 2007 dort. Aufgrund der Abgeschiedenheit der Gegend reisten einige Models und Gäste direkt auf Kamelen zur Show. Auf einem Betonpodest mitten im Sand zeigte Cardin 200 Looks aus den Herren- und Damenkollektionen – meist in Weiß, das die minimalistische Naturlandschaft nur betonte.

Crashtest

Bevor Sie gehen, schauen Sie mich an - "Prozess". Oft sehen wir nur das Endprodukt, das von Profis in jedem Bereich geschaffen wurde - ein Film, ein Musikalbum, eine Modenschau, eine Ausstellung zeitgenössischer Kunst - und wir ahnen nur, was für eine Arbeit dahinter steckt. Look At Me verbringt mehrere Tage mit den Organisatoren eines Prozesses, um zu erzählen, was hinter den Kulissen von Anfang bis Ende passiert.

Dieses Mal haben wir den Organisationsprozess der Arsenicum-Show beobachtet und herausgefunden, was die Arbeit jedes einzelnen Teilnehmers ausmacht.




Auch wenn er bei uns am Spielfeldrand sitzt, kontrolliert er den Vorbereitungsprozess und unterbricht, um mal mit dem Model, mal mit der Visagistin zu sprechen. Trotzdem erfahren wir noch etwas über den Entwicklungsstand des Konzepts der Show:

Dmitry Loginov : „Designer werden mich wahrscheinlich nicht verstehen, aber Manager werden zustimmen: Ich lege alle Informationen über die Kollektion und die Show in eine große Excel-Tabelle. Daraus erfahren Sie, was am Modell von oben getragen wird, was von unten, welche Accessoires, welche Strumpfhosen, welche Schuhe und welche Schuhgröße, welches Make-up, welche Maniküre - im Allgemeinen alles. Es ist auch sehr praktisch, die Bereitschaft der Dinge dort zu verfolgen - ich habe diesen Tisch und den Laden; es markiert, ob das Ding genäht ist oder nicht. Dementsprechend sitze ich an diesem Tisch und denke mir, wer in diesem Bogen herauskommt, wer in einem anderen, mit welcher Musik wird alles passieren, und letzteres ist sehr wichtig - bis man einen Menschen findet, der die richtige Stimmung erzeugen kann für die Show wird es ewig dauern. In der Regel wähle ich die Tracks selbst aus und der DJ, in meinem Fall Anton M, hilft mir bei der Zusammenstellung.“

Mit dem technischen Teil ist alles klar, wir versuchen etwas über den kreativen zu lernen. Ich stelle Dmitry eine Frage: "Gedanken über die Sammlung und ihre Präsentation kommen gleichzeitig oder ist einer dem anderen voraus?"

Dmitry Loginov : „In meinem Fall geht es nicht einmal um Kleidung, sondern um die Geschichte, die ich mithilfe von Kleidung, Make-up und Shows erzählen möchte. Kleidung interessiert mich nicht in erster Linie, obwohl sie eine wichtige Rolle spielt: Schließlich ist sie Mode. Zuerst stelle ich die Geschichte und ihre Charaktere vor. Diesmal war die Nachricht an das Team einfach - "Flugzeugabsturz". Ich war begeistert von der Geschichte der Concorde-Flugzeuge, deren Ära vor zehn Jahren endete – ich studierte ihre Geschichte, fand heraus, warum sie aufhörten zu fliegen, und las die Details des Unfalls bei Paris. So wurde die Heldin geboren - ein luxuriöser Jetsetter, der ausschließlich mit diesen Ultraschallflugzeugen fliegt. Im Laufe der Zeit veränderte sich ihr Image - zuerst war sie allein (ich werde nicht einmal sagen, welche), dann änderten wir die Ära ein wenig: Es schien mir, dass sie der der letzten Staffel sehr ähnlich war. Dadurch habe ich die Eleganz, Weiblichkeit, einen gewissen Chic belassen, es aber etwas moderner, jünger und dramatischer gemacht – noch dramatischer als damals.“

Diskutieren Sie mit dem Team

Wenn ich über die Transformation von Ideen spreche, denke ich daran, wer am Diskussionsprozess beteiligt ist:

Dmitry Loginov : „Wenn ein Ideen-Kern kommt, fängst du an, Details darauf aufzuhängen. Dazu veranstalten wir regelmäßig Brainstorming-Sitzungen mit einem Team und Praktikanten – Studenten von Fachhochschulen, die kommen, gehen, manchmal länger bleiben und sogar zur Arbeit bleiben. Bei solchen Diskussionen denken wir, wer diese Heldin ist, um welche Kleidung es sich handelt, welche Elemente des Kostüms es sein können, je nachdem, welcher Charakter gezeigt wird - das Moodboard füllt sich nach und nach. Nachdem alles zu Ende zu sein scheint, beginnen wir zu diskutieren, was hier überflüssig ist: Es gibt immer viele Ideen, daher machen Designer oft den Fehler, die Kollektion zu überladen (alles scheint zu passen, aber der Betrachter hört auf, die Bedeutung zu erfassen der Sammlung, und wir haben keine Zeit, die Entwicklung der Idee zu zeigen). Zum Beispiel haben wir letzte Saison eine interessante Textur gemacht - handgemachte Fransen aus Stoff. Es passte in die Kollektion, aber mir schien es zu viel zu sein, also haben wir es in diese Saison verschoben und es einerseits richtig, aber andererseits - hastig: Gareth Pugh hat in dieser Saison das gleiche gezeigt Idee. Es war lustig, als mein Freund für seine Show in Paris ein Kleid aus unserer Kollektion anzog, dorthin kam und alle, die in Pews Team arbeiteten, sie mit großen Augen ansahen. Dann wurde uns klar warum.

Show ist nicht nur Kleidung, sondern auch Make-up, Frisur. Was Maskenbildner angeht, arbeite ich immer mit der Chef-Maskenbildnerin von M.A.C. Leroy Filippova zusammen: Sie ist eine großartige Geselle, sie hat einen ausgezeichneten Geschmack, eine wunderbare Vorstellungskraft und ein professionelles Team. Früher haben wir unsere Haare bei Salon Essentials gemacht, aber Monet arbeitet bei Volvo. Letztes Mal haben sie alles perfekt gemacht, diesmal wird hoffentlich auch alles gut."












Dmitry Loginov : „Letzte Saison habe ich mir einhundertzwanzig Modelle angeschaut, von denen ich neunundzwanzig ausgewählt habe, diesmal habe ich dreiundzwanzig Mädchen, das heißt, es gibt mehr Anziehmöglichkeiten. Das Casting war nicht weniger hart, ich besuchte fast alle Agenturen außer AVANT: Dort wurde es unglaublich teuer, und wir nahmen nur Masha Kirsanova - sie ist ihr Geld wert. Ich beobachte die Mädchen in mehreren Etappen. Zuerst führe ich Castings in Agenturen durch, dann lade ich die, die mir gefallen, in mein Studio ein - dort schaue ich sie mir noch einmal an, probiere Klamotten an. Bei der Endmontage gebe ich schließlich Schleife, Schuhe, Accessoires ab. Bögen werden fotografiert und hängend in die Umkleidekabine geschickt.

Ich kann sagen, dass meine Models ziemlich breitschultrige Mädchen sind: Ihre Kleidung passt besser. In dieser Kollektion verwende ich kaum Schulterpolster, und wenn die Schultern scharf und gerade sind, passt es sowieso gut. Die Art des Gesichts spielt für mich keine Rolle: Wie gesagt, ich erzähle eine Geschichte, und es können verschiedene Charaktere in der Geschichte vorkommen - Blondinen, Brünetten, Rothaarigen. Es ist wichtig, dass das Model gut geht, es ist wichtig, dass die Kleidung perfekt zu ihr passt und das Gesicht ist überhaupt nicht wichtig."








Dmitry Loginov: „Der Unterschied zwischen den Standorten von Mercedes-Benz und Volvo liegt in erster Linie im Standort. Gostiny Dvor befindet sich im Zentrum und die „1905 Goda Street“ kann kaum als Zentrum bezeichnet werden. Bis Sie dort ankommen, stehen Sie mehrere Stunden im Stau, und die U-Bahn ist auch nicht in der Nähe. Dazu kommt ein schreckliches Backstage, und für mich als Person, die den ganzen Tag hinter der Bühne verbringt und ein Team von fünfzig bis sechzig Leuten hat, ist die Seite von entscheidender Bedeutung. Hier ist es gemütlich: hohe Decken, große Umkleidekabinen.“












Ich lerne den Prozess der Make-up-Erstellung aus der primären Quelle kennen - der Hauptmaskenbildnerin von M.A.C. Valeria Filippova, deren Ideen überhaupt nicht auszugehen scheinen.

Valeria Filippova : „Ich arbeite auf Fashion Weeks in Mailand, Paris, New York und bin sehr stolz darauf, das richtige Schema für die Zusammenarbeit mit Designern nach Russland gebracht zu haben. Wie wir mit Dima arbeiten - wir treffen uns vor der Show, besprechen die Kollektion, er zeigt das Moodboard, Stoffe, steckt dich fast in diese Klamotten, damit du spüren kannst, was für ein Mädchen sie ist. Dann beginnt der kreative Prozess, wir probieren verschiedene Optionen aus - Kleidung, Make-up, Frisur werden aus kleinen Stücken zum richtigen Bild zusammengesetzt. Mit Dima schreiben wir Geschichte, und hier gilt es, eine Linie zu finden - nicht ins Theatralische zu verfallen, es dramatisch zu machen, sondern modisch. Diesmal rief mich Dima im Voraus an und sagte, dass ich seine Inspiration gerne hätte, es wäre ein Flugzeugabsturz. Als ich das erste Mal mit einem Kosmetikkoffer zum Test kam, habe ich das Model geschminkt, dann aber die Musik gehört und festgestellt, dass es zu viel war – es war zu viel Make-up. Dima wollte die Tragödie zeigen - Mädchen, die einen Unfall hatten, aber gleichzeitig war es notwendig, sie schön zu machen, dh ihr Gesicht sauber zu lassen. Wir trafen uns am nächsten Tag und beschlossen, den Models ein transparentes Make-up und eher schlichte Frisuren zu verpassen und die Haut dagegen mit schwarzem Latex zu bedecken, das nicht wie verbrannt aussieht, sondern auf eine Explosion hinweisen wird, a Flugzeugabsturz. "

Wenn ich an drei männliche Models denke, frage ich nach so einer heiklen Sache wie einem Männer-Make-up:

Valeria Filippova : „Ich bin generell ein Befürworter, Jungen zu Jungen zu machen. Sie müssen maskulin sein, also haben wir nur den Tonus gemacht (Hautunregelmäßigkeiten müssen noch maskiert werden). Ihre Frisur ist so einfach wie die der Mädchen - ein wenig zerzaustes Haar. Ich möchte ein Gefühl von Leichtigkeit schaffen – keine Strasssteine, keine Bündel, kein Gel – alles lebt. Es gab einmal eine Show, an der einige Jungs teilnahmen. Sie gingen in Anzügen aufs Podium, einer von ihnen hatte einen Raben am Arm. Zuerst wollten wir ihnen Smokey Eyes machen, aber anfangs gefiel mir diese Idee nicht (na ja, ich mag kein Make-up bei Jungs) - ich beschloss, ihnen Taschen auf den Kopf zu setzen. Ich schneiderte Polyethylenhelme, die einen dünnen Schlitz für die Augen hatten. Es war gefährlich, einen Kerl auf das Podium zu lassen, der kaum sehen konnte, wer einen Raben in der Hand hielt (schließlich ist ein Rabe ein Raubvogel), aber wir beschlossen, es zu riskieren. Dima macht generell gerne riskante Dinge, und darin sind wir uns ähnlich."















Anna Kurapova : „In anderthalb Monaten beginnen die Vorbereitungen für die Show. Dann beginnen wir mit der Akkreditierung der Presse und versenden Pressemitteilungen. Wir arbeiten mit allen wichtigen Publikationen zusammen, aber jedes Mal erhalten wir Briefe von neuen Online-Magazinen und Bloggern. Ich gehe ihre Seiten durch und wenn uns der Inhalt gefällt, dann akkreditieren wir sie gerne. Vieles hängt von der Organisation ab. Ich war auf Shows, wo Redakteure und Designer standen - das scheint mir Respektlosigkeit ihnen gegenüber zu sein. Wir haben ein großes Team auf der Messe, wir versuchen alle Gäste glücklich zu machen. Wir haben System - wir rufen die Gäste vorher an und laden alle persönlich ein, Sitzlisten zu erstellen. Es kommt vor, dass die Leute nicht kommen oder im Gegenteil eine ganze Gesellschaft versammeln und bitten, sich zusammenzusetzen - dann muss man sofort reagieren."

























Modenschau Der Prozess, neue Kleider zu zeigen, hat sich in den letzten Jahrzehnten stark weiterentwickelt. Und wenn ich weiterentwickelt sage, meine ich nicht den Prozess der Verunreinigung an sich, sondern der Wechsel der Modelle, die Herangehensweise an die Vorbereitung, sie hat sich radikal verändert. Die Modedesignerin arbeitet nun nicht nur an der Vorbereitung der Modenschau, sondern kreiert und exponiert diese auch, ein ganzes Team von Spezialisten für Spezialeffekte, Psychologie, Analytik etc. arbeitet am Wels.

Für den Besucher wird die Modenschau zu einer leuchtenden Show, einer theatralischen Extravaganz, aber diejenigen, die dieses Wunder erschaffen, verlassen sich nicht nur auf Intuition, Schönheitssinn, Pyrotechnik, magere Zahlen mathematischer Statistiken und tiefgehende psychologische Analysen sind der Grundstein dieser Aktion.

Organisation einer Modenschau der Schwierigkeitsgrad der Vorbereitung kann nur mit einer komplexen modernen Theateraufführung verglichen werden, bei der das Drehbuch von einer Gruppe von Autoren geschrieben wird.

Der Zweck der Show bleibt der gleiche - es ist eine ästhetische Wirkung auf den Betrachter. Dieser Einfluss sollte sich als Duft eines teuren Parfüms, als erster Eindruck, langanhaltendes Aroma und Nachwirkung offenbaren. In jeder Phase sollte der Gedanke „Ich will es“ in den Köpfen potenzieller Käufer sein, dies fördert den Verkauf und bedeutet das Aufkommen neuer Kollektionen. Die Szenografie von Start- und Landebahnen ist nicht länger etwas Anspruchsvolles, sondern eine objektive Realität.

Der Regisseur der Aktion sollte in einem Team mit einem Modedesigner, einem sachkundigen Psychologen, der die Besonderheiten des Publikums kennt, und einem Komparsen zusammenarbeiten, der es uns ermöglicht, die etwas versteckten Motive dieses Publikums zu erkennen.

Dies ermöglicht es Ihnen, nicht nur eine angemessene Wahrnehmung einer Theateraufführung - einer Modenschau durch den Zuschauer - zu erhalten, es ist notwendig, den Zuschauer vollständig in den Theaterkommunikationsprozess einzubeziehen, was zu einem Zustand der emotionalen Erhebung und Best-Of führt alle, die Initiative selbst in die Hand zu nehmen. Der Regisseur verwandelt sich in den Gomel-Rattenfänger, und der Betrachter verwandelt sich in eine Ratte, die pflichtbewusst in den Laden geht, um eine neue Kollektion zu kaufen.

Das Eintauchen des Betrachters in die darstellenden Künste beschränkt sich nicht nur auf das Sitzen auf einem Stuhl während der Show, sondern setzt eine lange Nachwirkung voraus, die das Bild einbettet, das mir nicht aus dem Kopf geht. Dazu erstellen ein Psychologe und ein Analytiker ein Modell, das die Besonderheiten der Wahrnehmung verschiedener Phänomene der objektiven Realität durch eine Person berücksichtigt.

Jeder Teil der Aktion, sei es Musik, Farbgebung, Beleuchtung und dergleichen, sogar die Proportionen des Modells müssen berücksichtigt werden, vielleicht ist die Anziehungskraft der Stars der Laufstegkunst das, was nach der Aufführung eine nachhaltige Wirkung hat.

Allerdings sollte man die Entwicklung des Kleidungskonzepts nicht vergessen. Das Konzept der Kleidung, wie wir es kennen, ist das Ergebnis der Arbeit der Bekleidungsindustrie, wenn wir einen größeren Kreis betrachten, dann ist dies eine Reihe von Dingen, die wir auf den Körper auftragen. Dies ist jedoch nicht nur ein Set, das nach Belieben kombiniert werden kann, es gibt einige Normen, gesellschaftliche Ideen, Modetrends usw.

Ein markantes Beispiel ist ein Konzept wie "Anzug", das eine bestimmte Reihenfolge von auf eine bestimmte Weise vereinbarten Dingen voraussetzt. Diese Dinge sind nicht nur aufeinander abgestimmt und auf das auferlegte Make-up abgestimmt, sie sind auf die Farbe der Augen, Haare, auf eine bestimmte Form der Frisur abgestimmt. So ist ein schön gekleideter Mann ein einzigartiges Kunstwerk, ein lebendiges Bild.

Die kreierte Kleidung sollte irgendwie die äußere Innenwelt einer Person widerspiegeln und ihr Selbstbewusstsein verleihen. Andererseits soll Kleidung nicht nur schön aussehen, sondern auch im Alltag praktisch sein. Ein markantes Beispiel für solche Kleidungsstücke sind Jeans, die neben einem ästhetischen Erscheinungsbild eine hohe Verschleißfestigkeit aufweisen. Grobe Stoffe nehmen auf den ersten Blick helle Formen an, und eine große Vielfalt ermöglicht es, das Richtige für eine bestimmte Person auszuwählen.

Der Unterschied zwischen einer hochwertigen Jeans und einer hochwertigen Hose eines speziellen Arbeitsanzugs liegt nur im Aussehen, aus irgendeinem Grund wird jedoch gut verarbeiteten Jeans der Vorzug gegeben. Das Bedürfnis nach ästhetischem Vergnügen ist genau das, woran Modedesigner arbeiten.

In jeder historischen Epoche hat jede Nation ihren eigenen künstlerischen Stil, der auf seine Weise das Problem setzt und löst, schöne und notwendige Dinge für einen Menschen zu schaffen. Gerade die Einhaltung modischer Ansprüche sichert die Ästhetik der Kleidung. Silhouette und Form des Models sollten gut wahrgenommene, modische Proportionen haben; Größe, Form, Anzahl und Lage der Kleidungsstücke müssen nicht nur untereinander, sondern auch mit dem Modell insgesamt sowie mit der menschlichen Figur übereinstimmen.

Um Modelle mit der richtigen Form zu erstellen, müssen Sie die Anforderungen der Architektur kennen. Wenn keine gute Lösung für die Form gefunden wird, ist das Modell schlecht, egal mit welchen verzierten Details oder Elementen es verziert ist. Jede Linie, jede Dekoration, jede Rüsche, jede Pailletten sollte sich dem Gesamten unterordnen und kein Haufen von etwas Eigenem sein. Und wenn der Künstler, der das Bild malt, sich den Standpunkt oder den optimalen Abstand zur Leinwand leisten kann, dann muss der Designer wissen, dass seine Arbeit bis ins kleinste Detail durchdacht und in jedem Maßstab attraktiv sein muss.

Nicht nur das Material ist wichtig, sondern auch die Farbe und die Haptik. Es ist eine gelungene Kombination dieser Eigenschaften, die bei einem gelungenen Imageaufbau den Verkauf von noch teureren Modellen fördert, da billigere seltener gekauft werden. Es ist das Bild, das die Kleidung vermittelt, die Nachwirkung der Modenschau ist, die Erinnerungen weckt, das Weltbild prägt und den Kauf erleichtert.

Also wie du siehst die Modenschau ist schon keine separate Kleidung, separates Podium, separate Models und separater Chef des Modehauses. Es ist vergleichbar mit einer Kochkunst, bei der jede einzelne Komponente sogar stinken und ekelhaft in den Mund riechen mag, aber in fertiger Form macht dieses Gericht Appetit und man möchte es noch einmal probieren. So sollte eine Modenschau, ein ausgewogenes „Gericht“ beim Verbraucher Appetit und banale Kauflust wecken, auch wenn es nur eine sentimentale Erinnerung an die Aktion ist, an der diese Person teilgenommen hat.

"Fashion Week"- der Satz ist schon lange nicht mehr neu. Wenn Sie jemanden fragen, was eine "Fashion Week" oder "High Fashion Week" ist, dann erhalten Sie eine völlig verständliche Antwort. Wenn wir diesen Satz in der Amtssprache definieren, stellt er ein wichtiges und bedeutendes Ereignis im Leben von Models und Designern dar, die Shows unter Beteiligung ihrer neuesten Bekleidungskollektionen organisieren. Diese Show findet vor Zuschauern statt, die die Möglichkeit haben, neue Richtungen und Trends in der Modebranche in jeder einzelnen Saison zu schätzen.

Schon der Name "Haute Couture Week" lässt erahnen, dass die Veranstaltung nicht länger als eine Woche dauert und in den wichtigsten Zentren der Modebranche der Welt stattfindet. In der Regel sind dies die anerkannten Modemetropolen: Mailand, Rom, New York, Paris.

Modenschauen in Paris

Paris hebt sich von seinen „Nachbarn“ ab. Alle 6 Monate können Sie in Frankreich eine Fashion Week im Louvre Carousel sehen. Viele Autoritätspersonen sind regelmäßige Zuschauer der Abschlusssaison.

Die Shows begannen 1973. Während dieser Zeit liefen Models in Outfits berühmter Designer: Christian Dior, Nina Ricci, Chanel, Louis Vuitton und andere über den Laufsteg.

Das Highlight einer jeden Pariser Fashion Week ist, dass Designer nicht nur ihre außergewöhnlichen Modelle dem Publikum zeigen, sondern aus einer einfachen Show mit einer durchdachten Handlung eine echte Show machen und das Publikum wiederum nur ein Feuerwerk der Emotionen. Aus diesen Gründen verpassen weder Claudia Schiffer noch Mila Jovovich noch Lily Allen noch viele andere Topmodels und Hollywoodstars eine Veranstaltung dieser Größenordnung. Mehr als einmal hatte die Öffentlichkeit in Paris Gelegenheit, die Kollektionen von Valentin Yudashkin und Alena Akhmadulina, führenden russischen Designern, zu sehen.

New Yorker Fashion Week

New York ist die einzige Stadt außerhalb Europas. Die zweimal im Jahr organisierten Shows bringen die einflussreichsten Persönlichkeiten nicht nur der Modewelt, sondern auch Politiker zusammen. Ein anschaulicher Beweis dafür ist die Anwesenheit von Bill Clinton, der einst Präsident der Vereinigten Staaten war, bei einer Veranstaltung dieser Größenordnung.

Die allererste Fashion Week fand 1943 noch früher als in Paris statt. Seit mehr als 70 Jahren erfreut sich die Öffentlichkeit an einem unerschöpflichen Ideenschatz der Designer. In dieser Zeit sind einige kuriose Fälle aufgetreten, und einige von ihnen sind für die Öffentlichkeit ziemlich amüsant. Zum Beispiel endlose Stürze von Models. Es gibt auch häufige Proteste von leidenschaftlichen Tierschützern, die sich der Verwendung von Pelzen widersetzen, und das ist noch nicht alles.

Normalerweise findet die New York Fashion Week jährlich im Februar statt, wo Designer ihre Herbst-Winter-Kollektionen präsentieren, und im Oktober, während der Frühjahrs-Sommer-Outfit-Zeit. Das Publikum lernt Shows und Kollektionen so bedeutender Designer wie Donna Karan, Michael Kors, Marc Jacobs kennen.

Mailänder Modewoche

Bis 1979 fanden Modewochen in Florenz statt und wanderten später nach Mailand aus. Nur in Mailand ist die Fashion Week die wahre Personifizierung der Anmut und Eleganz Italiens. Die wildesten Fantasien und Ideen von Designern werden in den unglaublichsten Kollektionen verkörpert, die nur kreiert werden können. Die Zuschauer solcher Shows haben die Möglichkeit, Trends und Modetrends mit eigenen Augen zu sehen.

Eine Besonderheit und vielleicht das wichtigste Merkmal der italienischen Shows ist ihre Zugänglichkeit für alle Bevölkerungsschichten. Nur in Mailand gibt es überall in der Stadt riesige Bildschirme, von denen Live-Übertragungen berühmter Shows durchgeführt werden. Und manchmal kann man sich eine improvisierte Show ansehen.

Italien ist für Italiener. Und die Modebranche ist keine Ausnahme. 85 % aller Designer sind echte Italiener. Obwohl auf den Shows auch andere berühmte Modedesigner und Designer anwesend sind. Die Hauptgesichter sind Dolce Gabanna, Gucci, Versace und Prada.

Unsere Landsleute unterstützen die Modewochen in Mailand sehr und viele Stars des Showbusiness geben gerne fabelhafte Summen für Sammleroutfits aus. In Mailand schaffte es auch Kira Plastinina, zusammen mit Yulia Dalakyan aufzutreten, die die Gelegenheit hatten, ihre Designkreationen dem italienischen Blick zu präsentieren. Übrigens beeindruckte 2008 in Rom die Kollektion der noch sehr jungen Kira Plastinina das Publikum so sehr, dass ihr das italienische Bürgermeisteramt eine Medaille verlieh, die meist an die jüngsten und talentiertesten Designer geht.

Rom Fashion Week

Rom ist nicht nur die Hauptstadt Italiens, sondern auch eine der Modehauptstädte. Italien ist reich an Designern, daher haben die Zuschauer jedes Jahr die Möglichkeit, Modenschauen auch in Rom zu sehen. Gucci, Roberto Cavalli, Fendi und Valentino sowie andere berühmte Modehäuser ergänzen edle Abendkleider mit exquisitem Schmuck. All dies bildet das wichtigste "Highlight" der Show.

In Rom ist natürlich alles bescheidener und es gibt keine solche stürmische Aufregung, wenn man Mailand vergleicht, aber man kann die Vorteile nicht übersehen. So zeichnet sich beispielsweise die Fashion Week in der Hauptstadt durch ihre Raffinesse und ihren säkularen Charakter aus. Um die großen Traditionen der Modewelt und das kulturelle Erbe des Landes hervorzuheben und noch einmal hervorzuheben, veranstalten die Veranstalter zusätzlich zur Hauptschau weitere kulturelle Veranstaltungen.

Was fällt Ihnen ein, wenn Sie die Worte "Modenschau" hören? Zweifellos - ein stereotypes Bild, dessen Attribute die Schönheiten des Modells, Cocktailkleider und natürlich das Podium sind. Was blieb jedoch ohne Aufmerksamkeit? Wo findet die Veranstaltung statt? Welche Ereignisse werden nach ihm sein und was waren sie vorher? Für viele spielen diese Fragen keine besondere Rolle. Schließlich kommen sie beim Betrachten von Fotos, die auf der Messe entstanden sind, nicht einmal in den Sinn. Einzige Ausnahme sind Designer – für sie ist das alles sehr bedeutsam und spielt eine große Rolle!

In diesem Artikel werden wir diskutieren, welche Modenschauen es gibt, wo sie stattfinden, was die Designer selbst für ihre Kleider- oder Accessoires-Kollektionen auswählen.

Modenschau während der Fashion Week

Für viele Designer ist die Fashion Week eine großartige Möglichkeit, ihre Kollektionen zu präsentieren. Normalerweise gibt es in jedem Land eine Fashion Week, in manchen sogar mehrere. Neben Russland finden auch in Brasilien zwei Fashion Weeks in Folge statt – die erste in Rio de Janeiro, die zweite in Sao Paulo.

Für einen Designer scheint die Fashion Week ein hervorragendes Vehikel zu sein, um seine Outfits zu präsentieren. Gleichzeitig werden die meisten organisatorischen Fragen von seinen Schultern auf die Schultern der Veranstalter verlagert. Die Kosten für einen solchen Luxus sind sehr hoch, die angebotenen Dienstleistungen werden jedoch wahrscheinlich keine Unzufriedenheit hervorrufen. Neben der Bereitstellung eines Podiums und Umkleidekabinen kümmern sich die Veranstalter um alle Belange der Presse und Sicherheit.

Denken Sie jedoch nicht, dass der Designer durch die Teilnahme an der Woche nichts tun muss. Viele Modedesigner unterstützen nicht nur die Veranstalter der Woche, sondern verhandeln auch lieber eigenständig mit der Presse und finden zusätzliche Sponsoren. Schließlich müssen sie oft selbst bezahlen und Models für die Show finden. Trotzdem sind Designer durch die Teilnahme an der allgemeinen Fashion Week im Vergleich zu anderen Optionen in einer sehr vorteilhaften Position.

Eigene Modenschau

Einige Designer ziehen es aus verschiedenen Gründen vor, ihre eigene Show zu organisieren. Diese Option lässt dem Designer viel Freiheit, ist aber natürlich arbeitsintensiver, da ihm die gesamte Organisation auf die Schultern fällt.

Eigene Modenschauen haben eine Reihe von unbestreitbaren Vorteilen. Die wichtigste davon ist die persönliche Kontrolle und damit die vollständige Erfüllung der Wünsche des Designers selbst. Solche Einzelshows werden normalerweise von Designern arrangiert, die eine ziemlich reiche Kundschaft haben, zum Beispiel Igor Chapurin oder Yulia Yanina.

Wo soll man eine Modenschau veranstalten? Modedesigner wählen bei der Organisation ihrer Modenschauen in der Regel teure luxuriöse Bankettsäle oder andere Räumlichkeiten, die ihrem hohen Status entsprechen. Wenn Sie Gast sind, werden Sie nicht von einem Wachmann empfangen, sondern von einem netten jungen Mädchen. Sie werden nicht herumstoßen, warten, bis Sie am Eingang an der Reihe sind, und sich um einen Platz in der Halle sorgen.

Die Hauptaufgabe bei der Organisation solcher Shows besteht darin, den Gästen maximalen Komfort zu bieten. Es geht sogar darum, Gästen VIP-Plätze zur Verfügung zu stellen. Das ist natürlich ein teures Vergnügen und nicht jeder junge Designer kann es sich leisten.

Alle Personalshows lassen sich grob in drei Unterarten einteilen:

Für Kunden anzeigen

Dies ist eine kleine intime Vorführung, die für eine begrenzte Anzahl von Elite-Kunden konzipiert ist, aber auch eine breitere Vorführung mit vielen Gästen und der Presse ist möglich. Im Mittelpunkt einer solchen Veranstaltung steht die Kundenorientierung. In der Regel ist es nicht erforderlich, große Hallen zu bestellen, da eine solche Präsentation auch in einer Boutique durchgeführt werden kann, die eine Weile geschlossen ist.

Für Käufer anzeigen

Diese Art von Show ist keine Show, sondern richtet sich ausschließlich an Käufer ohne externe Gäste. Hat einen reinen Business-Charakter. Hier werden serientaugliche Dinge vorgestellt. Auch die Einstellung gegenüber Käufern sollte einwandfrei sein, denn davon hängt der Abschluss des Deals ab.

Wie organisiert man eine Modenschau eines Käufers? Sie können ein Podium arrangieren im Rahmen der Bundesgroßhandelsmesse für Textil- und Leichtindustrie "Textillegprom", bei der Sie die Möglichkeit haben, Ihre Waren im Modenschau-Format mit echten Modellen zu demonstrieren und auf der Ausstellung zu haben Ihren eigenen Messestand, auf dem potenzielle Käufer Ihre Produkte genauer unter die Lupe nehmen können ...

Für Freunde anzeigen

Es ist die budgetärste Option. Jeder von uns kann es zu Hause oder im Freien verbringen und ein paar unserer Freundinnen als Modelle nehmen. Freunde und Familie sind perfekt als Gäste. Natürlich können Sie aus einer solchen Show auch eine echte Show machen - es hängt alles von Ihren finanziellen Möglichkeiten ab.


Viele Ausstellungen sammelnder Bekleidungshersteller veranstalten Modenschauen direkt an ihren Standorten.

Im Prinzip ist dies eine Miniatur-Fashion Week für Profis, aber weniger Lärm, kein Gedränge, Sponsoren mit Snacks und individuelle Akkreditierungen. Solche Vorführungen finden nonstop statt. An einem Tag kann eine große Anzahl von Impressionen mit einer unterschiedlichen Zusammensetzung von Unternehmen stattfinden.

Leider gibt es bei solchen Präsentationen nur sehr wenige Aussteller. Um etwas zeigen zu können, muss es nämlich vom Stand entfernt werden, und der Zeitaufwand für das Umziehen und das Beschmutzen von Modellen kann für das Unternehmen unrentabel sein. Potenzielle Kunden sehen die Dinge nicht und die Chance auf eine Bestellung sinkt auf null.

Modenschau auf einem persönlichen Stand während der Ausstellung.

Wie bei ihrer eigenen Modenschau wollen viele Designer die Gemeinschaftsshow verlassen und direkt am Stand persönliche Vorführungen veranstalten. Ja, die Veranstaltung dauert zehn Minuten. Ja, hier gibt es keinen großen Laufsteg. Aber es gibt Vorteile. Erstens ist es eine großartige Möglichkeit, sofort Kunden zu gewinnen, und zweitens ist es eine vollwertige Demonstration Ihrer Sammlung. Gleichzeitig ist der Designer etwas unabhängig von anderen Teilnehmern, wie bei einer Gemeinschaftsschau. Es ist auch zu bedenken, dass Kleidung nicht vom Stand mitgenommen wird.

Es lohnt sich auch, auf den folgenden Punkt zu achten. Bei einer Gemeinschaftsausstellung ist die Presse immer präsent und Fotos von neuen Kollektionen werden sofort im Internet verstreut. Für Unternehmen, die den Diebstahl ihrer Ideen befürchten, dürfte diese Situation nicht angenehm sein. Aber wenn sie am eigenen Stand ausstellen, können sie immer Wachleute einstellen, die Fotografen vertreiben und ihnen das Fotografieren verbieten.


Solche Wettbewerbe finden häufig statt. Daran können sowohl junge Designer als auch aktive Industriemarken teilnehmen. Vorführungen bei solchen Wettbewerben sind praktisch analog zu Vorführungen bei Ausstellungen. Der einzige Unterschied besteht darin, dass die Gewinner am Ende einen Preis oder Titel gewinnen.

Durch die Teilnahme am Wettbewerb für Nachwuchsdesigner kann der Teilnehmer mehrere Modelle gleichzeitig präsentieren. Zum Beispiel eine Miniserie mit 3-7 Ausgängen. Die Anforderungen an solche Mini-Sammlungen können für alle Wettbewerbe unterschiedlich sein. Irgendwo wird Kreativität bewertet, irgendwo die Produktionstauglichkeit, irgendwo die Einhaltung von Modetrends. Dies zeigt, dass eine Kollektion in einem Wettbewerb gewinnen und in einem anderen verlieren kann.

Wo kann ein junger Modedesigner Kleidung zeigen? Zum Beispiel bei Wettbewerben für junge Designer Russian Silhouette (die Teilnahme ist kostenlos), beim Wettbewerb "Exercise" (die Teilnahme ist kostenlos), beim Moskauer Wettbewerb für junge Modedesigner (Organisationsgebühr beträgt etwa 8000 Rubel), beim Internationalen Wettbewerb " Bezgraniz Couture ™" (der Gewinner erhält ca. 15.000 Dollar !!!), beim Wettbewerb der nach ihm benannten jungen Modedesigner N. Lamanova (nur die Arbeit von Models wird bezahlt), beim Wettbewerb junger Designer der Zeitschrift Grazia (kostenlos) wird die Teilnahme an solchen Wettbewerben vielen jungen Designern eine berufliche Karriere ermöglichen.

In dieser Version wird die Modenschau als Bestandteil der Show präsentiert. Die Präsentation der Kollektion findet zwischen Striptease, Tanz und Popmusik statt.

Ein markantes Beispiel für eine solche Show ist die Show der Kollektionen von Valentin Yudashkin am 8. März. Hier singen Künstler, tanzen Balletttruppen und zwischen diesen Aufführungen werden auf mehreren Bühnen Designer-Abendkleider gezeigt. Der Vorteil ist, dass es sich um eine öffentliche Veranstaltung handelt, die durch den Kauf eines Tickets an einer regulären Abendkasse zugänglich ist.

Shows für einen begrenzten Gästekreis haben ein ähnliches Schema. Zum Beispiel am Eröffnungstag eines Restaurants oder am Geburtstag des Inhabers des Lokals. Gleichzeitig wird die Show von allerlei unterhaltsamen Nummern und Überraschungen begleitet.


Solche Shows verbinden die Prinzipien von Ausstellungsshows (gemeinsame Sammlungsthemen und Verkaufsorientierung) und Unterhaltungsshows (Performances mit Künstlern, Tanz und Striptease), sind aber dennoch unterschiedlich. Der Hauptunterschied ist das kleine Budget und eine gewisse Verfügbarkeit. Dieser Zustand führt zu einer geringen Gästezahl, mangelnder Medienberichterstattung und einer geringen Veranstaltungsorganisation.

Der Fairness halber sei darauf hingewiesen, dass solche Shows als „separate“ oder „Design Contests“ klassifiziert werden können. Das kleine Budget erlaubt es solchen Veranstaltungen jedoch nicht, in die „große Liga“ aufzusteigen und sie bleiben rein „lokal“. Aus diesem Grund kommen nur Freunde und Vertreter des lokalen "Treffens" zu ihnen.

Dies bedeutet jedoch nicht, dass sie nicht durchgeführt werden sollten. Das Wichtigste ist, dass Sie, um einen solchen Eindruck auf einen höheren Rang zu bringen, sowohl finanziell als auch zeitlich gut investieren müssen.

Mit einem kleinen Budget können Sie eine solche Aufführung in einem ziemlich ernsten Raum nicht arrangieren. Daher finden "Partyshows" normalerweise in Kulturhäusern, lokalen Clubs und Schulturnhallen statt. Der optimalste Ort sind gerade die Clubs. Hier sind alle Voraussetzungen für gute Laune gegeben - eine entspannte Atmosphäre und Alkohol. Sie können auch mögen:

Mehrmals im Jahr präsentieren namhafte Modedesigner, deren Ideen zu Modetrends werden, ihre neuesten Kollektionen der ganzen Welt. Paris, London, New York werden eine Woche lang zu Modehauptstädten. Modenschauen oder Laufstege sind eine Demonstration neuer Kollektionen für die Presse und zukünftige Käufer. Es ist eine Startrampe für neue Trends.

Was Sie über die Fashion Week wissen müssen

Mode und Couturier leben in einer anderen Zeit, der Gegenwart viel voraus. So gibt es im September und Oktober Shows der Frühjahrskollektion und im Februar und März - die Winterkollektion. Modehauptstädte präsentieren ihre „Modewochen“ pünktlich in der richtigen Reihenfolge. Die Reihenfolge ist dieselbe: New York, London, Mailand, Paris.

Shows überschneiden sich nie in der Zeit, so dass Journalisten und Einkäufer alle Shows besuchen können.

Prêt-à-porter / Haute Couture

Um diese Modetypen gut unterscheiden zu können, denken Sie daran, dass Ready-to-wear Konzepte für lässige Alltagskleidung sind. Haute Couture ist originelle und einzigartige Kleidung. In Paris veranstalten mehr als 30 Modehäuser zweimal im Jahr Prt-à-porter-Shows, während nur 10 Modehäuser Haute-Couture-Kollektionen herstellen. Haute-Couture-Kollektionen sind echte Kunstwerke für einen sehr engen Kundenkreis. Solche einzigartigen Kleidungsmodelle werden zum Inbegriff des Stils einer bestimmten Marke. Die Prt-à-porter-Shows richten sich an ein breiteres Publikum, und in der neuen Saison kommen diese Klamotten vom Laufsteg in die Boutiquen.

Wie läuft die Sendung?

Modenschauen finden in der Regel an eigens dafür eingerichteten Orten (zum Beispiel dem Carousel du Louvre) statt. Models laufen unter den Blitzen der Kameras über die Laufstege.

Doch immer mehr Modedesigner veranstalten ihre Shows an unerwarteten (verlassenen Fabriken), historischen (Museen) oder ganz ungewöhnlichen (Pariser Zirkusarena) Orten. Das Interieur und die Magie des Ortes spielen beim Schnurrbart eine große Rolle Infanterie der Show.

Normalerweise beginnt die Show mit einer Verspätung von etwa einer halben Stunde. Doch sobald die ersten Musikklänge zu ertönen beginnen, beginnt die eigentliche Show. Musik und Licht sind ein sehr wichtiger Bestandteil der Show. Models laufen über den Laufsteg, ersetzen sich gegenseitig und zeigen eine neue Kollektion.

In vielen Fällen endet die Show mit dem Auftritt eines Models im Hochzeitskleid. Dies ist der letzte Punkt. Danach erscheinen alle Models gemeinsam mit dem Modedesigner auf dem Podium, der Presse und Zuschauer begrüßt.

Nach der Show haben die Presse und prominente Gäste die Möglichkeit, hinter die Bühne zu gehen und mit dem Modedesigner zu plaudern.

Jeder mehr oder weniger prominente Spieler im heimischen Mode -Der Markt sieht sich früher oder später mit der Notwendigkeit einer Show konfrontiert. Dies weist einerseits auf eine gewisse Reife der Marke hin und ist für ihren Besitzer eine erfreuliche Tatsache; andererseits bringt es viele organisatorische Schwierigkeiten mit sich. Und wie die Praxis zeigt, ist der Mangel an einschlägiger Erfahrung entscheidend. Heute Marketingleiterin Jugendbekleidung Sabotage Evgenia Klimkova wird ihre Erfahrungen bei der Organisation einer saisonalen Sammlungsausstellung für ihre regionalen Partner und Medienvertreter teilen.

Vorbereitung

Die Vorbereitungen für die Show sollten mindestens 3 Wochen vor der Veranstaltung beginnen, und noch besser, wenn Sie in 2-3 Monaten die ersten Schritte unternehmen. Ein solcher "systemischer" Start ermöglicht es Ihnen, das richtige Schema für das Projekt zu erstellen: Wählen Sie das beste Datum und die beste Uhrzeit in Kombination mit dem Veranstaltungsort, wählen Sie ein Team und Modelle aus, entwickeln Sie ein Skript, überlegen Sie sich die Speisekarte sorgfältig und bestellen Sie Geschenke und Souvenirs , und kündigen die Veranstaltung für Gäste im Voraus an. Die Messe ist eine komplexe, facettenreiche Veranstaltung, an deren Organisation Fachleute aus unterschiedlichen Bereichen beteiligt sind. Das ist natürlich der für Kleidung und das Gesamtkonzept verantwortliche Designer, der Regisseur, der aus einer gewöhnlichen Modenschau eine attraktive Show macht, das sind Models, deren Verhalten auf dem Laufsteg und das richtige Verständnis der Intention des Autors die Stimmung bestimmen der Show sind dies Beleuchtungskörper, die Lichtakzente setzen und der Action Dramatik verleihen, und andere wichtige Helden der Backstage-Zone, darunter Kostümdesigner, Stylisten, Maskenbildner, Wachleute, Koordinatoren, verschiedene Assistenten. Wenn Sie Zeit für die Organisation Ihrer Show haben, haben Sie eine der wichtigsten Ressourcen; und umgekehrt wird sein Fehlen mit hoher Wahrscheinlichkeit das Niveau der Show beeinflussen - die Pfosten, die im vorbereitenden Treiben zugelassen wurden, werden sicherlich "herauskommen". Als wir die letzte große Sabotage-Show im MOD Design Center vorbereiteten, haben wir genau das getan. Für die Show, die Ende September stattfand, haben wir Anfang des Sommers mit den Vorbereitungen begonnen. Und das hat uns zu einem qualitativ hochwertigen Ergebnis verholfen.

Der Zweck der Show

Bei der Vorbereitung auf die Show ist es wichtig, sich daran zu erinnern, welche strategischen Ziele verfolgt werden. Dies können zum Beispiel die folgenden sein:

1. Präsentieren Sie eine neue Kollektion auf eine Weise, die in Erinnerung bleibt.

2. Erzielen Sie eine maximale Berichterstattung über die Show in den Medien.

3. Um Käufer, Vertreter modischer Bekleidungsgeschäfte und Endkunden der präsentierten Kollektion zu interessieren, um sie zu Käufen (Käufen) zu motivieren.

Bei der Vorbereitung auf die Show sollten Sie diese ständig im Hinterkopf behalten, da die Organisation der Show oft von Chaos begleitet wird. Bei der Vorbereitung fallen einem plötzlich neue geniale Ideen für das eine oder andere Modell ein, der Maßstab der Ideen entspricht nicht den realen Möglichkeiten. Wir müssen die geplanten Elemente der Show aufgeben ... In dieser Situation ermöglicht uns nur die Konzentration auf strategische Ziele, rationale und ausgewogene Entscheidungen zu treffen. Was ist wichtiger, eine unvollständige Kollektion zu präsentieren oder neue Ideen bis zur letzten Minute mit der Schere in der Hand umzusetzen? Was ist wichtiger, ein erfolgloses Mädchen aufs Podium zu holen oder sich zu weigern, dieses oder jenes Ding als solches zu präsentieren? Was ist wichtiger, Journalisten für die Show zu sammeln oder Zeit und Geld aufzuwenden, um Zuschauer einzuladen? Einfach ausgedrückt, könnte das Hauptziel Ihrer Show so klingen: Eindruck zu hinterlassen. Seine Leistung liegt in der Schnittmenge all jener kompetenten organisatorischen Entscheidungen, über die wir oben gesprochen haben.

Veranstaltungort

Die Wahl eines Veranstaltungsortes für eine Show ist immer eine nicht triviale Aufgabe. Für Marken, Designer und Runway-Organisatoren ist dies normalerweise ein echtes Problem. Ein guter Ort für eine Ausstellung muss folgende Kriterien erfüllen: bezahlbar sein, in Größe, Innenausstattung und Inneneinrichtung für die Ausstellung geeignet sein, einigermaßen mit der Stimmung und dem Konzept der Kollektion korrelieren, möglichst wenig bekannt sein und ungebrochen in den Augen von High Society und Modejournalisten.

Einen Ort zu finden, der all diese Kriterien erfüllt, ist selbst in einer Metropole wie Moskau eigentlich ziemlich schwierig. In den meisten Fällen müssen sich Veranstalter für das eine oder andere Argument entscheiden. Ein Konferenzsaal ist beispielsweise von der Größe her angemessen, hat aber kein passendes Bürodesign und ein Parkhaus ist zweifelsohne konzeptionell, entspricht aber nicht den modernen Komfortansprüchen. In den meisten Fällen entscheiden sich die Veranstalter für Platz und Komfort, was verständlich ist. Dies bedeutet jedoch in der Regel, dass Sie mögliche PR-Punkte verlieren. Den stärksten Eindruck hinterlassen die Shows, die an ungewöhnlichen Orten stattfinden.

Insgesamt ist der Standort des Displays für die PR Ihrer Marke äußerst wichtig. Bei der Auswahl eines Ausstellungsortes sollten Sie nicht nur auf die äußeren Eigenschaften, die Autorität der Halle, den bequemen Zugang, gute Parkmöglichkeiten achten, sondern auch auf die Elemente, die den Raum organisieren und Energie erzeugen. In einigen Fällen kann der für die Show gewählte Raum bereits als Markenzeichen der Veranstaltung dienen und ein bestimmtes Image der Show unterstützen. Natürlich muss man für ungewöhnliche kreative Orte bezahlen und in der Regel im wahrsten Sinne des Wortes viel bezahlen. Es ist jedoch ratsam und zahlt sich in der Regel gut aus.

Atmosphäre erzeugen

Die eigentliche Kunst der Showproduktion besteht darin, im Saal und vor seinen Türen die gewünschte Atmosphäre zu schaffen. Was ich meine, ist eigentlich schwer in Worte zu fassen. In manchen Fällen kommt man zur Show und spürt: Hier wird gefahren. Die innere Stimme scheint dir verbal oder nonverbal zu sagen: „Hier wird jetzt etwas Wichtiges passieren. Es ist interessant und aufregend." In anderen Fällen scheint alles an seinem Platz zu sein: Ein solides Podium ist gebaut, Zuschauer haben sich versammelt, ein leises Klirren von Gläsern ist zu hören, aber tatsächlich fehlt die Energie. Langeweile und Leere im Inneren. Ein unausgesprochener Gedanke klingt ungefähr so: "Lass uns eine halbe Stunde hier bleiben, wenn wir schon angekommen sind, und weiterziehen."

Es ist wichtig, darüber nachzudenken, wie das Szenario der Show aussehen wird, wo die Gäste vor der Show sein werden und wie ihr Weg zur Veranstaltung organisiert wird. Es ist wichtig, in das Drehbuch Elemente einzubauen, die bei Gästen und Journalisten künstlich eine Atmosphäre intensiver Erwartung schaffen. Techniken wie Gesichtskontrolle, Warteschlangen oder ein Ansturm von Schaulustigen am Eingang können gut funktionieren. Die Kunst, „Atmosphäre zu erzeugen“ besteht darin, eine ausgewogene Balance zwischen Panik und Vorfreude, zwischen dem Wunsch zu warten und dem Wunsch zu gehen, zu finden. Wie bei der Wahl des richtigen Ortes für die Show können Sie, wenn Sie es geschafft haben, die richtige Atmosphäre für die Veranstaltung zu schaffen, zu Ihrem Asset aufschreiben. Jetzt sind die Chancen, darüber geschrieben und Freunden erzählt zu werden, viel höher.

So präsentieren Sie

Das Format für die Präsentation der Kollektion vor Fans und Journalisten ist von großer Bedeutung. Sie können sowohl eine schlechte Sammlung "ziehen" als auch eine gute zu Tode hacken. Daher sollten Konzept und Szenario der Show im Vorfeld durchdacht und möglichst klar umgesetzt werden. Wenn Sie mit der Vorbereitung einer Show beginnen, sollten Sie zunächst die Zielgruppe definieren. Die meisten von euch werden es wahrscheinlich verstehen. Das sind die wichtigsten Fans und Freunde der Marke und Journalisten. Die ersten beziehen sich direkt auf den Stil und den Geist der Marke, die Sie vertreten. Und daher ist es logisch anzunehmen, dass sie davon ausgehen, die gleiche Stimmung, wenn man so will, das gleiche Konzept zu zeigen, das sie in der Marke selbst empfinden. Strenge minimalistisch einfarbige Kleidung setzt die angemessene Tonalität der Show voraus, anhaltend, streng gemächlich intellektuell. Baggy, bunte Jugendkleidung muss unbedingt mit der Rap-Kultur, zu der sie gehört, korreliert werden. Luxuriöse Abendroben rufen nach gemächlichem Glamour, Fans und eher klassischer Musik. Wird dieser Grundsatz verletzt, erlebt der Betrachter das, was die Psychologie als „Bruch in der Schablone“ oder, wenn man so will, stilistische Dissonanz bezeichnet.

Es ist sehr wichtig, dies mit dem Markenimage zu verknüpfen. Wenn Sie eine Jugendmarke repräsentieren, müssen Publikum und Standort zum Image der Marke passen. Bei der Vorbereitung einer Show für Sabotage berücksichtigen wir dies immer.

Wenn Sie die Erwartungen der Zielgruppe erfüllen, können Sie sich einer positiven Bewertung Ihrer Arbeit sicher sein. Zuschauer und Fans schenken dir Blumen und Journalisten schreiben mehr oder weniger vorhersehbare Rezensionen. Dieser Ansatz garantiert ein einigermaßen stabiles Ergebnis und ermöglicht es Ihnen, sowohl hinsichtlich möglicher Absatzmengen als auch hinsichtlich des Interesses der Medienvertreter für die Zukunft zu planen.